[CINEMA] - "MARY POPPINS RETURNS" (2018) : An unexpected hype !

Je suis en voie de reconsidérer mon refus de voir "MARY POPPINS RETURNS" (2018) de Rob Marshall, la suite du film culte de Disney, sorti en 1964, avec la ravissante et si classe Julie Andrews dans le rôle de la nounou imaginée par l’écrivaine anglaise P. L. Travers. Film sorti la même année que My Fair Lady, dont Julie Andrews avait tenu le rôle sur scène, et qu’elle avait dû céder à Audrey Hepburn quand il fut adapté à l’écran. Elle y gagna au change, puisqu’elle remporta un Oscar, et Audrey fit une démonstration de classe et de fairplay restée dans les annales de la cérémonie. Mais revenons en 2018. 

Disney déraillé

On a eu bien des occasions d’évoquer le sujet au Salon 111 et au Talk Club : depuis quelques années, Disney est une dynamique que je déteste, et blâmable à bien des égards ; fermeture du département animation traditionnelle ; rachat de LucasFilm et de Marvel avec les conséquences funestes et la surproduction médiocre que l’on connaît ; et une chiée de remakes « LIVE » de tous leurs plus grands chefs-d’œuvre d’animation.

Au milieu des remakes consternants de La Belle et la Bête, Le Roi Lion, Aladdin ou encore Dumbo, difficile de ne pas faire une grimace de principe et d’être instinctivement hostile à l’évocation d’un nouveau film sur Mary Poppins. Je voyais déjà venir ce même mélange hybride, ingrat, ridicule et révoltant entre un pleutre remake et une suite opportuniste. Les premières images et les premières informations n’avaient rien de rassurant, en ce qui me concerne, et pour moi, l’affaire était réglée.      Je n’irais pas voir ce film, pas plus que les autres, je ne soutiendrais surtout pas cette démarche.

Mary et moi

Si les romans sont principalement connus au Royaume-Uni, comme pour beaucoup d’enfants à travers le monde Mary Poppins a été ma première comédie-musicale, et surtout, un excellent souvenir de cinéma. Et pas qu’un souvenir ! Il s’agit là d’un de mes Disney et films préférés. La beauté chique & pétillante de Julie Andrews, douce et stricte à la fois ; son fameux sac magique, et son pouvoir de ranger une chambre en désordre en un claquement de doigt ; la drôlerie, la bienveillance et la sympathique immaturité de Bert, sorte d’oncle idéal, un jour artiste de rue, un jour ramoneur ; le Londres du début du XXe siècle ; les séquences, entre onirisme & réalisme, mélangeant film et animation ; les incroyables musiques & chansons des frères Shermann. 

Cet univers a beaucoup compté pour moi, et compte encore. J’aime toujours autant revoir ce film, écouter ou fredonner ses chansons, Mary Poppins est une figure féminine qui m’a durablement marqué, et idem pour Bert en figure masculine (plus encore, même – la scène où il explique à Jane et Michael pourquoi leur papa est parfois sévère ou triste m’a toujours bouleversé). 

Quand est sorti Saving Mr Banks (2014), le film racontant la genèse de l’adaptation de Mary Poppins par Walt Disney, j’étais au rendez-vous. Je suis allé le voir avec enthousiasme, et si je n’ai pas trouvé le film parfait, il m’avait énormément ému et touché, bien aidé par son magnifique casting m’allant droit au cœur (Tom Hanks en Walt Disney ; Emma Thompson ; Paul Giamatti ; et une interprétation particulièrement sympathique et juvénile des frères Shermann, le duo de compositeurs), en ajoutant à cela une musique de Thomas Newman. Un très bel hommage au film de 1964, et à la créatrice de Mary.

Méfiance de principe

L’idée de « profaner » un film si réussi, comme cela avait déjà été fait avec La Belle et la Bête, et va être prochainement fait pour Le Roi Lion, de repomper sans vergogne ces films, de resservir à une génération adulescente la soupe qu’ils ont tant aimée dans leur enfance, avec le fumeux prétexte d’un changement de technologie, et dans une débauche de fan service qui aide la médecine à couler et propre à anesthésier les esprits les plus critiques et récalcitrants à coup de nostalgie, tout cela me rendait malade, d’autant plus avec un film, un univers et des personnages qui me sont si chers.

Quelques signaux étaient pourtant au vert.

D’abord, l’actrice Emily Blunt me semblait un excellent choix ! Une des quelques (rares) actrices contemporaines que j’apprécie beaucoup, qui est capable aussi bien de se montrer sèche qu’adorable, ingrédient clé pour incarner la nounou british, sans parler de sa beauté qui, pour n’avoir pas la finesse de celle de Julie Andrews à l’époque, la surpasse en bien d'autres aspects, se fond parfaitement et avec une troublante évidence dans le costume.

Autre signal au vert : le réalisateur, Rob Marshall, qui a réalisé l’adaptation de la comédie musicale Chicago, et qui justifie donc d’une expérience convaincante en la matière, malgré ce qu’il a pu faire par la suite pour Disney peu après le succès de Mémoire d’une Geisha.

Tout cela était bien sympa, mais guère assez pour justifier le remake/suite tant redouté.

Signaux au vert & sursaut de hype

Mais depuis une poignée de jours, les indicateurs commencent à s’affoler doucement, et les signaux passent de plus en plus au vert. La sortie du film, Mercredi 19 Décembre, est imminente. Les premières critiques professionnelles tombent, ça et là, et sont transportées. Encore un joli sort de la nounou sorcière ?

Les trailers cessent de jouer sur cette foutue nostalgie à coups de clin d’œil et de fan service, et passent enfin à table en dévoilant le contenu du film. Et là où on s’attendait à voir des reproductions paresseuses et trop fidèles pour être honnêtes des scènes du premier film, on découvre plein de situations inédites, de scènes alléchantes, non pas un remake, mais ce qui semble être une vraie suite, avec un contenu inédit.

Soudain, l’idée d’une suite prend du sens, et révèle tout son potentiel. Après tout, Mary Poppins est une série de livres – 5, à ma connaissance – et le premier film a essentiellement adapté le premier volume. Le deuxième s’appelle Mary Poppins returns / Mary Poppins est de retour, or, c’est exactement le titre de cette suite au cinéma. Il ne s’agirait non pas d’un simple remake, mais bien d’une suite – tardive, mais d’une vraie suite. Ils avaient seulement ma curiosité ; ils ont maintenant mon attention.

Habile casting

Le casting complet du film est alléchant ; clairement pas un argument suffisant pour légitimer ou sauver une bouse de remake ; mais un véritable bonus pour embellir & asseoir une suite inspirée et motivée. Emily Blunt est entourée de Ben Wishaw et Emily Mortimer (deux acteurs anglais bien connus des cinéphiles, qui reprennent respectivement les rôles de Michael et Jane, adultes), de Colin Firth, de Meryl Streep (on ne les présente pas), mais aussi de Julie Walters en servante (inoubliable professeur de danse de Billy Eliott dans le film éponyme, et mère de Ron Weasley dans les Harry Potter, pour les geeks), et enfin, de Lin-Manuel Miranda et son nom improbable, initialement chanteur de hip hop, mais qui fait des débuts très remarqués dans le cinéma et la télévision depuis quelques années ; pour les fans de Dr House, il reste l’excellent Juan Alvarez, compagnon de chambrée & acolyte de House à l’hôpital psychiatrique de Mayfield. Il joue ici un ersatz de Bert le ramoneur, Dick Van Dike, l’interprète d’origine, étant évidemment trop vieux pour reprendre son rôle… mais pas assez pour nous priver complètement de sa présence ; il reprend le rôle du vieux banquier véreux qu’il interprétait en 1964, à la fin du film… avec un peu moins de maquillage nécessaire, on s’en doute. On retrouverait aussi Angela Landsburry, actrice anglaise bien connue des anglo-ciné-philes, qui a beaucoup collaboré avec Disney dont elle est un peu la « mamie de service », et qui avait entre autres prêté sa voix pour Mrs Samovar dans La Belle et la Bête.

Ce qui fait particulièrement plaisir dans tout cela, c’est de voir que Disney n’a (bien étrangement & miraculeusement) cédé à la tentation de « gonfler » son casting et d’appâter le chaland en y intégrant au forcing 2-3 de leurs chouchous protégés si admiré voire surcotés par les générations Y & Z (comme Emma Stone, Emma Watson, Anne Hathaway en tête, pourtant déjà « fichées » Disney – pour ne citer que les actrices). Un casting qui a su rester sobre et même assez « adulte », avec des acteurs reconnus, appréciés, mais pas ultra-adulés par le régressif public geek.    

Julie Andrews ne fera pas d’apparition « clin d’œil » ou autres caméos. La chose aurait été bien facile et prévisible. La raison est en particulièrement jolie, et achève de démontrer toute l’élégance de cette dame : sollicitée pour figurer dans le film, Julie Andrews a décliné, non par hostilité ou aigreur que son rôle emblématique soit repris, mais au contraire par amitié, égard et respect pour Emily Blunt qu’elle dit estimer énormément, et à qui elle a refusé de « voler la star » ou de parasiter le rôle en venant le reprendre auprès d’elle.

Emily Blunt fait ici l’unanimité. Les critiques redoublent d’éloges sur elles et sont sous le charme de cette nouvelle incarnation de Mary Poppins. Julie Andrews elle-même a adoubé sa successeuse, et tout le casting, réalisateur compris, de répéter que le rôle était fait pour elle, qu’elle est la nouvelle Mary Poppins. La principale intéressée elle-même a confié avoir été bercée par les livres de P. L. Travers durant son enfance, et se sentir particulièrement à l’aise dans ce rôle, qui est un rêve pour elle, décrivant son trouble et son émerveillement d’arpenter la fameuse « Allée des Cerisiers » (VF – « Cherry Trees Lane », en VO). A confirmer dans le film lui-même, mais il est vrai que, dès les premières images parues, Emily Blunt s’est avérée remarquablement belle et convaincante dans le costume de Mary Poppins.  

Esthétique prometteuse

Des extraits d’une intrigante poésie visuelle à l’image des romans orignaux, un casting british AAA, une suite assumée, un réalisateur à l’aise avec les musicals ; à tout cela, s’ajoute un très réjouissant retour de l’animation traditionnelle ; malheureusement pas à l’état de long-métrage (un jour, peut-être ?), mais se mêlant aux prises de vue réelles, comme dans le premier film. Pas de CGR pour les créatures magiques ! De l’animation ! Quelle belle surprise !

Ravissement visuel prolongé et confirmé par une affiche absolument splendide et d’une remarquable beauté, invitant au rêve et invoquant tout un imaginaire d’aventure onirique et de littérature enfantine anglaise. Un Londres esthétisé, des scènes comme sorties d’un conte, une Mary Poppins rayonnante, une affiche « à l’ancienne ». Soudain, le niveau de hype décolle, dans un surprenant revirement. Et si on tenait là un bon film ? Le digne prolongement de son prédécesseur ? Une nouvelle aventure de notre nounou favorite déjà appelée à devenir culte et à bercer de nouvelles enfances ? En tout cas, je peux dores et déjà dire que, si le film s'avère réussi ou me plait assez, cette affiche atterrira immédiatement en grand format sur un des murs de mon appart ! Je crois n'en avoir pas vu d'aussi belle et fascinante depuis Anastasia en 1998 !

Mais comme Mary Poppins nous y inviterait elle-même, dans ce mélange de sévérité et de douceur dont elle a le secret : il faut garder son calme et ne pas trop s’emballer.

Prudence, tout de même

Une méfiance tenace et profonde subsiste à la seule idée que Disney tire les ficelles, et qu’on les voit capables du pire ces derniers temps, autant qu’ils le furent autrefois du meilleur. Le sans faute serait une bénédiction, un véritable oasis réconfortant dans ce désert d’inspiration tarie et de paresse crasse ne laissant qu’un aride tapis de remake opportuniste en guise de paysage. Bien des questions et des aspects restent encore sans réponses pour confirmer l’éventuelle réussite de ce film, à commencer par la musique, élément crucial, essentiel, qui peut facilement le faire basculer, ne suffisant sans doute pas à rattraper les pires défauts, mais largement nécessaire pour confirmer les plus belles qualités, d’autant plus qu’il s’agit bien d’une comédie musicale. Le livret sera de première importance. Il faut une inspiration de taille pour rivaliser avec les tubes que sont l’excentrique et hilarant « Supercalifragilisticexpialidocious », l’enjoué « Medecine go down », le mélancolique et poignant « Feed the birds ».

Autre crainte, plus personnelle et subjective, la présence de Meryl Streep. C’est une grande actrice, que j’apprécie énormément dans plusieurs rôles, mais je l’ai toujours trouvée plus dans son élément dans les drames, plutôt que dans les rôles comiques. Son rôle de Miranda Presley dans Le Diable s’habille en Prada était le parfait juste milieu, mais j’ai beaucoup moins apprécié ses prestations dans Mamma Mia ou dans Les Orphelins Baudelaire. A vue de teasers, je vois ici poindre un personnage qui se veut décalé, allumé, mais qui risque de plomber plusieurs scènes à lui tout seul à coup de cabotinage et de potacheries si on lui laisse trop de terrain.

J’espère aussi que Rob Marshall, aussi scénariste du film, aura su résister à la tentation de multiplier les références au premier film ou de nous refaire l’histoire, comme le laisse craindre la version adulte de Michael incarné par Ben Whishaw, évocation de son austère père, Mr Banks, tandis que sa sœur, Jane, incarnée par Emily Mortimer, devenue suffragette, laisse craindre une vague reproduction de Winifred, leur mère.

Tout cela est à surveiller, et à juger sur pièce. A ce stade, le film – à mon immense surprise, je ne l’ai pas vu venir – m’a montré assez de signaux au vert pour que je me déplace le voir en personne, et que je juge par moi-même. A ce stade, je sais juste que j’ai envie de le voir. Pas seulement pour jouer les inspecteurs, mais vraiment en tant que spectateur et grand fan de ce personnage qui m’est si cher. C’est déjà un remarquable coup, car j’étais on ne peut plus sur la défensive. Les premiers échos, la magnifique affiche, les éléments de scénarios à ma disposition, les quelques extraits, tout cela mérite un peu d’attention. Je ne suis pas maso, et critiquer Disney n’est chez moi pas une passion, bien au contraire ; c’est un déchirement résigné face au désastre de leur production des dernières années. Je ne demande rien de mieux que de passer un bon moment, de retrouver la magie Poppins. Rendez-vous prochainement, ici et/ou au Talk, pour le verdict !

SUPERCALIFRAGILISTICEXPIALIDOCIOUS !

ADDENDUM : LE LIVRET MUSICAL DU FILM

La musique du film, déjà disponible sur YouTube (depuis 10 jours !)

Une jolie surprise de plus : Disney, d’une étonnante générosité, a posté en personne l’intégralité de la bande-originale du film sur YouTube, disponible à l’écoute depuis une douzaine de jours. Fort de cette heureuse découverte, et fidèle à une de mes vieilles traditions (les bandes-originales sortent toujours peu de temps avant leur film, ce qui permet un premier aperçu et d’éveiller l’imagination), je me suis empressé d’écouter l’intégralité de cette musique. Enfin, l’intégralité… reste à voir ! La plupart des musiques de films paraissent malheureusement incomplètes pour tenir sur un CD. Les complete officielles sont rares, et souvent une galère à trouver officieusement. Toutefois, ici, il ne semble pas manquer grand-chose. Parlons chiffres, avant quelques impressions :

La bande-originale compte 27 pistes, dont 14 chansons et 13 morceaux instrumentaux. Un ensemble plutôt équilibré, donc.

Pour info, la bande-originale du premier film de 1964 compte 28 pistes, dont 18 chansons et 10 morceaux instrumentaux.

Marc Shaiman : un choix de compositeur discutable

C’était le duo musical mythique de Disney, les frères Sherman, qui composait la musique du premier film. En cet an de grâce 2018, c’est… Marc Shaiman. Un illustre inconnu du grand public, y compris d’une bonne partie des amateurs de musique de films ; je ne peux leur en vouloir de cette lacune, elle est tout à fait excusable par la très faible notoriété du compositeur, elle-même bien expliquée par sa productivité aussi modérée qu’inintéressante dans son ensemble. Je le dis sans détour : je ne l’ai jamais trouvé bon compositeur, ses musiques sont sans relief ni saveur particulière, et cela même lorsque les films lui permettaient un peu de fantaisie, comme avec La Famille Addams.

Quand j’ai vu ce nom – qu’en tant que puriste j’avais le triste privilège de connaître –, cela m’a aussitôt refroidi et fait redouter la plus ennuyeuse et inconsistante des musiques. Un problème qui devient monstrueux et fatal lorsqu’il s’agit d’une comédie musicale comme Mary Poppins. Qu’est-ce qui leur a pris d’aller chercher ce type ? Parmi tous les compositeurs, du plus jeune au plus expérimenté, qui peuplent Hollywood sur la côte Ouest et Broadway sur la côte Est, pourquoi lui ? On se le demande…

Alors, au final, ça donne quoi ? Et bien, déjà, pour les plus autodidactes et curieux, je renvoie tout simplement aux musiques toutes présentes en playlist sur YouTube ! Une belle antichambre au film, pour se mettre dans l’ambiance et se faire une idée.

Splendeur & misère de Broadway

Que dire, donc ?

On est dans un pur Broadway. On croirait un show musical directement sorti d’un théâtre de New-York : les airs, les arrangements, l’interprétation ; la signature sonore, musicale et vocale est manifeste, on est dans la plus pure tradition des dernières années, ce qui n’est pas toujours aussi nette avec les comédies musicales au cinéma.

Cette OST m’inspire des sentiments contradictoires.

D’un côté, elle est d’une certaine « fadeur ». C’est de la soupe (attention, la soupe, ça peut être bon !). De la Broadway soap (et non melody). Les mélodies peinent à ressortir de façon vraiment flagrante. Elle manque cruellement d’un thème fort, et ceux qui sont censés jouer ce rôle sont loin d’être à la hauteur. Bien difficile voire impossible de retenir le moindre air, tant la mélodie est sacrifiée au profit d’une cascade de notes ininterrompue privilégiant avant tout un rythme effréné et des textes fournis. Entendons-nous : je ne dis pas que désagréable (au contraire !), mais juste que sur le plan thématique, c’est confus. Il n’y a pas de thème fort, plutôt une série de morceaux très enlevés.

C’est là que va se vérifier l’impression contradictoire que j’évoquais. Tout en constatant cet aspect « soupe Broadway » manquant cruellement de thèmes clairement identifiés et mémorables, je constate aussi à quel point cette OST est incroyablement dynamique, enjouée, rythmée, optimiste, loin d’être ennuyeuse. Elle ressemble à une espèce de symétrie inversée de celle du premier film.

Portraits asymétriques des deux OST

Dans le premier film, il y a beaucoup plus de lenteurs. Le rythme est beaucoup plus modéré. Plusieurs chansons tendent clairement sur le chiant. Sur les 18 titres, 7, soit un peu moins de la moitié, émergent toutefois ; mais quels thèmes ! C’est tout le truc : une OST certes plus « plan-plan » sur l’ensemble, mais relevée et pimentées de véritables moments de bravoure mémorables et même inoubliables, immédiatement indentifiables à leur très forte identité sonore et à leur remarquable force de frappe mélodique que sont : "Medicine go down" ; "Jolly Holliday" ; "Supercalifragilisticexpialidocious" ; "Chem cheminee" ; "Feed the bird" ; "Step in time" ; "Let's fly a kite". Des tubes ! Qui frappent immédiatement l’oreille même qui les entend pour la première fois, et s’impriment en elle.

L’OST de Mary Poppins Returns, c’est l’extrême opposé, dans les avantages comme les inconvénients. Les mélodies peinent à se mémoriser, aucun thème claire, marquant ou emblématique ne se détache. Mais, mais, MAIS, cette lacune se voit largement rattrapée par un ensemble incroyablement cohérent et harmonieux sans réelle baisse de régime. Si cette musique était une tartine, la confiture y serait parfaitement étalée sans aucune irrégularité, frisant la monotonie, mais évitant au moins les zones sèches, tandis que celle du film précédent serait plus inégale et irrégulières, laissant certes des zones sèches sans confiture, mais en revanche en accumulant sur plusieurs parties du pain à un degré si délicieux que cela rattrape le tout. De là, tout est une question de préférence pour chacun.

Le carrousel fou : une musique enjouée & virevoltante 

On a ici affaire à une musique extrêmement enthousiaste et diablement optimiste. On se croirait en train d’arpenter Main Street USA à Disneyland, avec ses ragtimes survitaminés surgis du kiosk à musique. Assurément, on ne risque pas de bader avec le livret de ce film. C’est une fête perpétuelle. La joie de vivre, la magie et l’émerveillement sont omniprésents dans les notes. On tient probablement un feel-good movie de premier ordre. En cela, on se différencie encore du premier film qui pouvait avoir des moments assez plombant, du mélancoliques, ou carrément austères. Ce qui n’était pas forcément un mauvais point sur plusieurs morceaux !

Car Mary Poppins Returns peut faillir par où il pèche : la gaieté, la joie de vivre, l’éclate, c’est super cool ; mais cela peut s’avérer un peu « superficiel », manquer de profondeur et de grandeur d’âme. Tristesse nous l’a pourtant bien enseigné dans Vice Versa chez les mêmes Disney : la tristesse et la mélancolie, cela peut non seulement avoir du bon, mais aussi et surtout, cela ajoute de la saveur, de la profondeur, du sens et de la beauté au bonheur, aux bons moments et à la vie en général. A force de faire la java, on en oublie de se poser. C’était toute la puissance poignante de la chanson « Feed the bird » dans le premier film. Un air qui prenait encore plus de puissance en instrumental lors de la destitution de Mr Banks, partant seul à travers les rues désertes de Londres dans la nuit, pour faire face à son destin. Magnifique !

A l’écoute de la musique, on est en droit de douter que Mary Poppins Returns, dans sa joyeuse frénésie certes bien sympathique, ait oublié d’offrir ce genre de moments de poésie nécessairement plus lents et mélancoliques.

Ici, ça va vite. Très vite. A toute vitesse. Avec ses sonorités trépidantes et enjouées, survoltées par moment, comme tous droits sortis d’un cirque ou du Main Street USA d’un parc Disneyland, l’OST de Mary Poppins Returns a des airs de carrousel fou, qui ne cesse plus de tourner encore et encore, de plus en plus vite, à mesure qu’approche la fin du film. C’est un tout autre mode que les montagnes russes, faites de haut et bas, du premier, qui certes atteignait de plus belles hauteurs, mais au prix de descentes un peu douloureuses. Ici, pas de montée ni de descente, d’où un pénible effet de soupe Broadway monotone recyclant ses instruments et ses sonorités, mais en revanche, une régularité et une cohérence générale, comme le loop musical d’une attraction qui se répète encore et encore jusqu’au tournis, et renforçant cette impression de manège virevoltant. On en sent presque une odeur de barbe à papa et de pop corn sucré en l’écoutant.

Conclusion : A écouté / A voir !

Evidemment, on est très vite curieux de savoir à quelles scènes, quelles situations, quelles images peuvent renvoyer les différentes chansons. En recoupant les titres, les paroles, les extraits de bande-annonce et l’affiche, on le devine assez facilement : une scène de plongée sous-marine dans la baignoire ; une virée en apesanteur à l’intérieur de ballons géants ; une visite dans un music-hall ; une scène chez le personnage de Meryl Streep qui semble vivre sens dessus dessous ; une cérémonie d’allumage des réverbères dans les rues de Londres. Autant d’épisodes qui sont effectivement décrits par P. L. Travers dans son deuxième livre.

Reste donc à découvrir ces fameuses séquences, avec leur mise en scène, leur esthétique et leurs chorégraphies que l’on espère spectaculaires !

Si la splendeur visuelle et l’inventivité sont au rendez-vous, cela promet de grands moments. La musique n’atteint certes pas les sommets de lyrisme des frères Sherman, mais elle s’illustre dans un tout autre genre qui a son intérêt aussi si on accepte de sacrifier la grâce de la mélancolie : une énergie à revendre, du « Broadway feel-good » en veux-tu en voilà, un dynamisme remarquable pour une aventure trépidante. Les références musicales au premier film sont extrêmement rares et se comptent sur les doigts de la main. On en demandait pas tant ! Et on est presque déconcertés de ne pas retrouver au moins un ou deux thèmes principaux qui auraient pu faire la liaison, installer mieux le personnage sans pour autant laisser soupçonner du repompage. Mais non. Marc Shaiman a voulu faire le grand garçon et a proposé une version complètement inédite, et en cela, c’est un élément de plus qui confirme ce film comme autre chose qu’un vulgaire remake, mais bien une œuvre originale qui semble se démarquer respectueusement de son ainée avec une signature visuelle et sonore très différente. Ce serait une excellente chose, et on ne peut que souhaiter en voir la confirmation très prochainement !